Một số tính cách của phong trào nghệ thuật hiện đại!

Một số nghệ sĩ nổi bật đã đóng góp cho phong trào nghệ thuật hiện đại ở Ấn Độ được xem xét ở đây:

AK Haldar:

Asit Kumar Haldar mang đến sự mới lạ trong lĩnh vực này bằng cách làm việc với nhịp điệu thơ ca trong lĩnh vực nghệ thuật. Đề án màu sắc và lối chơi của ông nhằm thể hiện vẻ đẹp và sự hài hòa của sáng tác thơ. Thiết kế trang trí có chất lượng tốt, được vẽ với độ chính xác cực cao, đại diện cho một khía cạnh khác của nghệ thuật của ông.

Abanindranath Tagore:

Người tiên phong của trường phái nghệ thuật mới, tác phẩm của ông là hai lần để tái khám phá những gì tốt nhất trong nghệ thuật Ấn Độ của thời đại cổ đại và trung cổ, và tái tạo nghệ thuật trong bối cảnh hiện đại của nó. Để làm sống lại tinh thần của nghệ thuật đã mất, Abanindra quyết định sử dụng cảm xúc hay cảm xúc vũ khí tối cao của các nghệ sĩ cổ đại.

Do đó, những bức tranh của ông bắt đầu thuật lại một triết lý và một sự thúc đẩy. Ví dụ, bức tranh nổi tiếng của ông, Shah Jahan Nhìn vào Taj, miêu tả rất sâu sắc cảm xúc của người nghệ sĩ về đường nét và màu sắc. Một trường phái nghệ sĩ mới bắt đầu xuất hiện dưới ảnh hưởng của anh ấy để đại diện cho 'Ấn Độ' với tất cả ý nghĩa sống động trong sáng tạo của họ.

Amrita Sher-Gil:

Những người lang thang của Amrita Sher-Gil và cuộc sống ngắn ngủi nhưng năng động của cô đã giúp cô trở thành một trong những nghệ sĩ hiện đại nổi tiếng nhất Ấn Độ. Sinh ra tại Budapest năm 1913, có mẹ là người Hungary và cha theo đạo Sikh, cô được đào tạo tại Nghệ thuật Ecole des Beaux ở Paris, nơi cô bị ảnh hưởng bởi Chủ nghĩa Hiện thực. Khi trở về Ấn Độ, cô đã áp dụng phương pháp hiện đại này để mô tả cuộc sống của người dân địa phương trong cộng đồng của mình.

Anjolie Ela Menon:

Sinh năm 1940, Anjolie Ela Menon đã nổi tiếng là một trong những nữ nghệ sĩ đương đại hàng đầu của Ấn Độ. Phương tiện ưa thích của cô là dầu trên masonite, mặc dù cô cũng đã làm việc trong các phương tiện truyền thông khác, bao gồm cả thủy tinh và màu nước. Cô là một họa sĩ vẽ tranh tường nổi tiếng.

Francis Newton Souza:

FN Souza là một thành viên sáng lập của Nhóm Nghệ sĩ Tiến bộ của Bombay, và là nghệ sĩ Ấn Độ hậu độc lập đầu tiên đạt được sự công nhận cao ở phương Tây. Phong cách biểu cảm của Souza đã tìm cách minh họa cả cuộc sống thấp và năng lượng cao. Năm 2008, bức tranh ra đời của ông (1955) đã lập kỷ lục đấu giá thế giới cho bức tranh đắt nhất Ấn Độ được bán cho đến lúc đó bằng cách bán với giá 2, 5 triệu đô la (11, 3 rupee) tại một cuộc đấu giá của Christie.

Gaganendranath Tagore:

Gaganendranath Tagore đã chia sẻ rất nhiều với các họa sĩ thời Phục hưng Ấn Độ, nhưng, ông, giống như nhà họa sĩ nổi tiếng Rabindranath, là một người theo chủ nghĩa cá nhân.

Những bức tranh của ông có một cái gì đó khá phổ biến với cách tiếp cận lập thể như trong nghiên cứu của ông về một pháp sư. Những bức tranh của ông nổi bật với khái niệm cá nhân, rất ấn tượng về ánh sáng và bóng tối.

J. Swaminathan:

Các bức tranh từ những năm 1960 của J. Swaminathan thuộc về một giai đoạn của hội họa Ấn Độ đương đại, trong đó người ta lại thấy một nỗ lực để tái khám phá các nguồn cảm hứng bản địa.

Jamini Roy:

Ban đầu là một họa sĩ vẽ tranh sơn dầu theo phong cách châu Âu, Jamini Roy trở về làng để nghiên cứu nghệ thuật theo quan điểm của Ấn Độ. Phong cách sau này của ông là cả một phản ứng chống lại trường phái Bengal và truyền thống phương Tây.

Nhiệm vụ cơ bản của ông là gấp ba lần: nắm bắt bản chất của sự đơn giản thể hiện trong cuộc sống của người dân; để làm cho nghệ thuật có thể tiếp cận với một bộ phận lớn hơn của mọi người; và để cung cấp cho nghệ thuật Ấn Độ bản sắc riêng của nó.

Làm việc hoàn toàn với nguyên liệu bản địa, ông chịu ảnh hưởng sâu sắc của truyền thống nghệ thuật dân gian. Ông đã sử dụng các hình thức dân gian với màu sắc và thiết kế của riêng mình và bắt đầu một phong trào mới trong thế giới nghệ thuật. Ông đã tạo ra những kiệt tác trong tranh tường, tiểu cảnh và chân dung.

K. Sreenivasulu:

K. Sreenivasulu, giống như Jamini Roy, đã rất xúc động bởi nghệ thuật dân gian và đời sống nông thôn. Nhờ tính trực tiếp, hiệu ứng trang trí và cách điệu, tác phẩm của anh nên được hiểu cùng với Jamini Roy. Sreenivasulu đã thu hút nhiều cảm hứng từ di sản nghệ thuật của Nam Ấn Độ, đặc biệt là từ truyền thống tranh tường của Thanjavur và Lepakshi.

Subramanyan KG:

KG Subramanyan đã phát minh ra các truyền thống bằng cách kết hợp nghệ thuật đương đại với văn hóa đại chúng và nghệ thuật dân gian với xu hướng đô thị. Ông học theo Nandalal Bose tại Santiniketan bên ngoài Kolkata. Ảnh hưởng của ông đã mở rộng ra xa thông qua các bài viết của ông về lý thuyết nghệ thuật và giảng dạy tại Đại học Maharaja Sayajirao ở Baroda.

KK Hebbar:

Krishna Hebbar sinh ra ở Karnataka và đã nhận bằng tốt nghiệp từ Trường Nghệ thuật Sir JJ, và anh học nghệ thuật tại tổ chức từ năm 1940 đến năm 1945. Trong khi bị ảnh hưởng bởi phong cách học thuật được dạy ở trường, Hebbar cảm thấy một sự thôi thúc mạnh mẽ để vẽ. một thể loại lấy từ nghệ thuật truyền thống Ấn Độ.

Mối quan tâm của anh với tình trạng con người khiến anh tập trung vào các chủ đề như đói nghèo, và sự hủy diệt do chiến tranh và vụ nổ hạt nhân. Đồng thời anh ấy rất nhạy cảm với âm nhạc và khiêu vũ và một khi đã học được hình thức nhảy, Kathak đã tạo ra nhiều bức tranh trong sắc màu rực rỡ của các vũ công và người biểu diễn.

Kshitindranath Mazumdar:

Một nghệ sĩ khác của trường phái hiện đại, Mazumdar đã đạt được thành công đáng kể trong việc mang lại sự mới mẻ cho nghệ thuật trong bối cảnh các chủ đề Ấn Độ. Các tập phim sử thi, cuộc đời của các vị thánh vĩ đại và những cảnh tâm linh và tôn sùng từ cuộc sống thực tế, là nguồn cảm hứng cho anh ấy, màu sắc của anh ấy cũng hấp dẫn. Một đặc điểm đáng chú ý trong các bức tranh của Mazumdar là việc ông mô tả các nhân vật hiện đại như các nhân vật của các chủ đề thần thoại truyền thống.

Laxman Pai:

Sinh ra ở Goa năm 1926, Laxman Pai sử dụng màu sắc tươi sáng và rực rỡ trong các tác phẩm của mình. Trong tầm nhìn của Pai, con người và thiên nhiên không thể tách rời. Hình ảnh là tiểu học nhưng rất gợi.

Muhammad Abdur:

Rahman Chughtai Tuy nhiên, một nghệ sĩ nổi tiếng khác của trường phái hiện đại, nghệ thuật của Chughtai chứa đựng những chủ đề lãng mạn trong cách phối màu dễ chịu, với những hình vẽ tinh tế và đẹp đẽ trong những đường nét tinh xảo.

Một tiếng vang của phong cách Ba Tư cổ là rõ ràng trong các tác phẩm của ông, cũng như ảnh hưởng của các bức tranh Kangra. Nhưng sự độc đáo của nghệ sĩ nằm ở cách chơi màu sắc để thu hút ánh mắt trong khi thêm sự xuất sắc phù hợp cho các chủ đề. Chughtai đạt được thành công đáng chú ý trong lĩnh vực thử nghiệm của mình.

Bose hư hỏng:

Các chủ đề thần thoại xuất hiện trong nghệ thuật Nandalal Bose với cảm xúc của chính người nghệ sĩ miêu tả i: chúng. Các chủ đề lịch sử đã được định hướng lại với tính độc đáo có ý nghĩa. Ông cũng vẽ những bức tranh về cuộc sống thực xung quanh. Nghệ thuật của Nandalal rất đáng chú ý vì những đường nét táo bạo và màu sắc đơn giản. Đó là chế độ truyền thống của hội họa Ấn Độ như được thể hiện tại Ajanta. Những kiệt tác của Nandalal bao gồm Tapasya, Pranam, Spring, Shiva và Parvati và Gopini của Uma. Các thí nghiệm của Nandalal với các bản phác thảo đã thành công nhất.

SH Raza:

Sinh ra ở Madhya Pradesh, Syed Haider Raza học hội họa tại trường nghệ thuật Nagpur. Sau đó, anh chuyển đến Mumbai để học tại trường nghệ thuật JJ. Ông là một trong những thành viên sáng lập của Nhóm nghệ sĩ tiến bộ.

Trong những ngày đầu, ông đấu tranh để phát triển một ngôn ngữ hiện đại. Các tác phẩm của ông về cơ bản bao gồm các cảnh quan thực và trừu tượng phát sáng với màu sắc rực rỡ. Raza cũng tích hợp các sơ bộ của Mật tông mà vẫn giữ các văn bản kinh điển Ấn Độ.

Ukada Saril:

Sarada Ukil mạo hiểm mở ra những chân trời mới cho hội họa Ấn Độ trong khi cố gắng làm sống lại những truyền thống trong quá khứ. Khi miêu tả hình dạng con người, ông phụ thuộc vào các quan niệm duy tâm hơn là các đặc điểm tự nhiên.

Các chủ đề nghệ thuật của ông bắt nguồn từ trí tưởng tượng của mình. Ông thậm chí còn thay đổi kỹ thuật màu thịnh hành bằng cách mang đến sự pha trộn nhẹ nhàng và dễ chịu hơn cho các thiết bị màu và chỉ bằng cách sử dụng màu đen và trắng.

Bên cạnh những sáng tạo giàu trí tưởng tượng của mình, anh cũng làm việc về các chủ đề lịch sử chống lại một nền tảng cảm xúc. Ông mô tả cuộc đời của Đức Phật trong một loạt các bức tranh. Những đóng góp của Ukil cho trường phái nghệ thuật hiện đại là nguyên bản, hấp dẫn và có giá trị.

Satish Gujral:

Họa sĩ, nhà điêu khắc, họa sĩ vẽ tranh tường, kiến ​​trúc sư và nhà văn, Satish Gujral sinh năm 1925 là một trong số ít người luôn thống trị nền nghệ thuật ở Ấn Độ trong toàn bộ thời kỳ hậu độc lập. Ông đã đa dạng hóa các vật liệu điêu khắc của mình với các vật thể công nghiệp được gia công bằng thép, đồng, thủy tinh, thường được sơn bằng màu men mạnh. Sau đó, ông đã thử các tác phẩm điêu khắc rác, giới thiệu ánh sáng và âm thanh trong đó. Ông cũng đã giành được sự hoan nghênh như một kiến ​​trúc sư.

Tyeb Mehta:

Sinh ra ở Gujarat năm 1925 Tyeb Mehta đã dành một thời gian ban đầu làm biên tập viên phim trong phòng thí nghiệm điện ảnh. Tuy nhiên, niềm đam mê hội họa của anh đã đưa anh đến Trường Nghệ thuật Sir JJ. Một người bạn thân của Nhóm Nghệ sĩ Tiến bộ với mối liên hệ phong cách đáng kể, anh rời đến Luân Đôn nơi anh sống và làm việc từ năm 1959 đến 1964.

Thay vào đó, anh ta thoát khỏi trường phái dân tộc chủ nghĩa dân tộc và nắm lấy Chủ nghĩa hiện đại, với màu sắc theo trường phái Ấn tượng, hình thức của người Cuba và phong cách biểu cảm. Bộ phim Koodal của anh, một sự mô tả mạnh mẽ về tình huống khó xử của người đàn ông bình thường, đã giành giải thưởng phê bình Filmfare vào năm 1970.